Философско-культурологические исследования

УДК 18.75.017.4

«Серебряный век» справедливо называют периодом «великого» синтеза. В этот период в русской художественной культуре происходит «перезагрузка», обновление, стремление дополнить, изменить, компенсировать всю картину мира. Происходит переоценка ценностей художественных и духовных. На этой же волне эксперименты и новаторство достигают пика. Синтез искусств становится важнейшим эстетическим принципом в разнообразных видах и жанрах искусства, одно искусство проникает в другое, дополняя его и обогащая, усиливая выразительные возможности каждого.

Синтез искусств имеет глубокие корни и традиции. Интерес к его изучению прослеживается в разных областях науки: психологии, философии, эстетике, литературоведении, искусствоведении. Синтез искусств (греч. Synthesis – «соединение, сочетание») – это органическое единство художественных средств и образных элементов различных искусств, которое  определяется единством идейно-художественного замысла. Синтез искусств выступает как феномен художественной культуры общества, в котором аккумулируются художественно-эстетические ценности. Он был свойственен всем великим эпохам, выступал как объективная необходимость в развитии художественной культуры человека.

Если обратиться к генетическим истокам синтеза искусств, то можно предположить, что он зародился еще в древние времена. Уже в первобытном синкретизме любой вид деятельности неразрывно связан с десятком других и является для них основой. Появляется синкретичная целостность культуры, имеющая общие корни из культурных практик, религиозных взглядов, традиций и образов. Первобытный синкретизм определяется несколькими составляющими, как то: религиозный синкретизм, ремесленный синкретизм, синкретизм искусств, лингвистический синкретизм (этапы эволюции лингвистики и языка в целом) и др. В первобытном синкретизме сочетались в органичном единстве не только трудовая деятельность и первоначальные формы художественного творчества, в нем уже органично объединились и дополняли друг друга разные типы художественного освоения действительности. Генезис синтеза искусств определяется первобытным синкретизмом древнего человека, его мировоззрения и деятельности. Итак, синкретизм первобытного искусства объединяет в себе различные формы художественного творчества, тесно связанные между собой: изобразительное искусство, ранние формы хореографии, пантомима, искусство словесное и музыкальное искусство.

Синкретизм культуры и искусства неразрывно связан с мифологией. Мифология – это ранняя форма общественного сознания. С помощью мифа в древности пытались раскрыть загадки явлений природы, объяснить, как устроены вещи и в целом весь мир. Основополагающая черта мифа – синкретизм, потому что в мифе сливаются и переплетаются все формы духовного освоения мира: зачатки религии, философии, искусства, науки. В мифе отражаются мировоззренческие представления сразу всех типов: мифологических, обыденных, религиозных и философских. В нем нераздельно существует мир природы, человека и богов. Синкретичность мифа также выражается в сравнениях противоположностей: вымысла и реальности, естественного и сверхъестественного, одушевления неживой природы. Роль мифа в жизни архаического человека велика, поскольку он развивает духовно-нравственные и эстетические личностные начала. Миф учит, воспитывает, предупреждает.

Исследователи первобытного синкретизма, и среди них такие выдающиеся ученые, как например, А. Н. Веселовский, отмечают не только характерное для него единство видов искусства, соотносимое со всей сферой жизнедеятельности человека, но и нерасчлененность в отдельных видах искусства их родовой или жанровой структуры. И следовательно, именно синтетический этап творческого мышления предшествует расчленению искусства на различные виды. Первобытный синкретизм соответствовал характеру социально-эстетических потребностей времени, глубоко закономерным явилось и последующее видовое разграничение искусства. Однако с тех пор искусство стало развиваться в виде отдельных отраслей художественного творчества, проблема синтеза не только была снята, но, напротив, вновь и вновь возникала на различных этапах развития художественной культуры, хотя на каждом из них она обретала иной смысл, обнаруживала разные грани. И именно потому, что как видовое расчленение так и сохранение синтетических начал в той или иной мере, характерны для различных периодов истории искусства, этот реально диалектически противоречивый процесс с давних пор находил свое определенное осмысление в истории эстетической и искусствоведческой мысли [1, с. 6].

Синтетическое искусство Древнего Востока соединяет в себе различные искусства: музыку, театр, поэзию, живопись, скульптуру, архитектуру и т. д. Синтез искусств раскрывается в древнем «храмовом» искусстве, гармонично подчиняя единому замыслу различные элементы, архитектура создает единство художественного, эстетического и общественного сознания. Но наиболее ярко синтез искусств и философского мировоззрения человека можно проследить в древнем музыкальном искусстве, ведь в учениях Древнего Востока звук является связующим звеном между сознанием и миром, духовным и материальным, выступает как космологическое начало. Гармония музыки, Космоса и человека явно выражена в индийской «раге». Рага в широком смысле – это философско-этическая концепция музыкально-эстетического мировоззрения. В более узком смысле, рага – это мелодия, выстроенная в соответствии с классическим каноном, – закреплённые традицией ладо-ритмические построения, основополагающие для классической музыки. Европейскими языковыми средствами они могут описываться как «мелодии», «интонации». Как музыкальное произведение, рага имеет духовную подоплеку в Ведах. В трактате Матанги «Брихаддеши» сказано: «Рага – это такая звуковая композиция, состоящая из мелодических движений, которая может окрашивать сердца людей» [11, с. 25]. Рага это не просто музыкальная тема, но и глубоко осмысленный философско-поэтический комплекс древнеиндийского синкретического мировоззрения. Так, рага-васанта символизирует весну, рага-камала — лотос, рага-мегха — тучу, приносящую дождь, рага-шанти ассоциируется с состоянием покоя, рага-шрингара — с чувством любви, рага-хасья — с весельем и т. д. Исполнение раг приурочивается ко времени суток или года (мелодии утренние, вечерние, полуденные). Каждая рага призвана передать определенную эмоцию или настроение (раса) человека. Таким образом, следует отметить, что рага является генезисным основанием звуковысотной организации членораздельного звукового пространства индийской музыки, неразрывно связанным с человеческими эмоциями. Каждая рага обладает родовой всеобщностью, универсальной устойчивостью и узнаваемостью, является одновременно символом упорядочения Универсума и символом человеческой эмоции.

Явно был выражен синтез искусств и в Древней Греции. Необходимо подчеркнуть, что в Античности не было чёткого разделения сфер художественного творчества, поэтому термина «искусство» у древних греков не было. Был термин «техне» (от греч. texne-искусство, мастерство, умение), который обозначал любой вид деятельности, связанный с творческим процессом, различные виды мастерства, ремесел (кузнечное, живопись и т. д.) Античное искусство уже изначально было синкретично. В Древней Греции также еще появилось такое понятие, как «триединая хорея», что означает совокупность музыки, слова и танца. Слово «хорея» произошло от слова «хор», что значит коллективный (танец с пением). Религиозное торжество, праздники, театральные постановки не обходились без триединой хореи. Изначально основой был танец в сопровождении музыки и слов. Принято было считать, что триединая хорея способствовала очищению души (катарсису). Характерной особенностью древнегреческого театра была синтетичность. Древнегреческий театр – это объединение различных видов искусств: архитектуры, музыки, танца. Основа синтеза в театральном искусстве – драматическое действие, включающее в себя разные элементы таких искусств, как архитектура, музыка, хореография, литература (драматургия), декоративно-прикладное искусство (стилистика костюмов). Роль древнегреческого театра была огромна в античном обществе. Он являлся социально-культурным центром, государственным учреждением, выражающим этические и религиозные правила жизни, общественно политические настроения. Таким образом, генезис синтеза искусств раскрывает синкретические основания различных видов творческой деятельности человека и причины, по которым все искусства, после размежевания в истории культуры, стремятся снова к воссоединению (как это произошло в период «Серебряного века», например).

В Средние века мы можем также проследить синтетичность искусств. Как и в древности, синтез искусств выражен в «храмовом» искусстве. Это некое «соборное» единство, насыщенное образами, одухотворенными и эмоциональными, оно включает в себя архитектуру, сакральную живопись (иконопись), монументальное искусство (витражи, мозаика, фреска) и литургическую поэзию с музыкой (духовные песнопения).Архитектура  подчиняет единому замыслу различные элементы изобразительного искусства, и это гармоничное соотношение создаёт единство художественного, эстетического и общественного сознания. Благодаря синтетичности всех искусств происходит слияние во единое не только реальное и художественное пространство, но и раскрывается философско-эстетический смысл нерасторжимый союз таких наук, как философия, религия, искусство, мифология. В. П. Толстой в своей книге «Художественные модели мироздания» писал, что в основе средневекового синтеза искусств было «не только соединение различных видов искусств, сколько стремление к максимально полному выражению главных идей христианского мировоззрения» [12, с. 2].

Культура поздней готики и эпохи Возрождения становится на другой уровень, происходит распад «соборности», присущий синтезу искусств Средневековья. Идёт возврат к античной культуре, отсюда вытекает и название самой эпохи. Возрастает интерес к человеку и его деятельности (гуманизм). Формируется искусство как самостоятельная форма деятельности человека, теория искусства. Художники расширяли круг своей деятельности, создавая новые формы синтеза искусств, в которых искусства стремятся снова к единству и целостности. Архитектурные ансамбли гармонично вписываются в ландшафт городов, органически обустраивая пространство улиц, парков. Скульптура вторгается как в интерьер так и в экстерьер, обогащая архитектуру и садово-парковые зоны. Яркими представителями синтеза искусств были великие мастера: Филлипо Брунеллески, Леонардо да Винчи, Рафаэль, Микеланджело и т.д. В изобразительном искусстве зарождаются новые жанровые формы. В живописи главенствующее место занимают: натюрморт, пейзаж, портрет. Декоративно-прикладное искусство и живопись всецело дополняет и обогащает интерьер зданий. Следует отметить, что в эпоху Возрождения возникла новая форма синтеза – связь искусства и науки. Леонардо да Винчи самый яркий представитель этой эпохи. Он был величайшим художником, инженером, механиком, математиком.

В XVII – XVIII вв. складываются новые формы синтеза искусств, связанные с общественным сознанием человека, с формами светского быта (спектакли, триумфы, праздничные придворные феерии, оперные и балетные спектакли и т. д.). В искусстве рококо и просветительского классицизма XVII в. важной целью синтеза становится создание и оформление художественной среды, отвечающей бытовым нормам эпохи и эстетическим идеалом. Таким образом, на протяжении всех исторических эпох разновидности синтеза искусств различались по их характеру, были статические и динамические. Например, архитектурно – художественный синтез, его основа статические пространственные искусства и театральный синтез (соединяющий динамические синтетические искусства). Творческие эксперименты и совершенно новые концепции синтетического объединения искусств особенно ярко проявились на рубеже XIX – XX вв., а именно в период, который называется «Серебряный век».

Начало периода «Серебряного века» следует считать с конца 1880-х годов, а верхнюю границу обычно датируют 1917 годам, но некоторые тенденции и их развитие («русский ренессанс») продолжались и в 1920 годы. Россия рубежа XIX – XX вв., тема многогранная, неисчерпаемая, противоречивая. «Серебряный век» – это можно сказать целая эпоха, которая неразрывно связана с политическими событиями в России, находившейся между двумя революциями. Это период насыщенный историческими событиями, техническим прогрессом, научными открытиями, знаменитыми гениальными личностями. «Серебряный век» внес весомый вклад и в мировую культуру. Этот период времени неспокойный и бурный, захватывающий и трагичный. И искусство того времени не захотело мириться с меркантильностью, мелочностью, низменностью буржуазной жизни. Была борьба, поиск «нового» и желание отойти от «старого», классическое искусство ушло, а на смену пришел «модернизм» («новое» искусство). Под словом «модерн» подразумеваются различные новые течения и направления (символизм, импрессионизм, авангардизм и т. д.).

В культуре «Серебряного века» ставятся новые философско-эстетические проблемы, возрождается интерес к нравственным ценностям личности, духовности, что находит отображение в искусстве, философии и религии. Философы и поэты осмысливали проблему личной свободы, свободы творчества. Художники и литераторы ставят перед собой целый ряд задач: как сохранить старые традиции, определение новизны творческих экспериментов, поиск новых средств художественной выразительности, возникновение и развитие новых направлений, тенденции, концепций. Интеллектуальная жизнь того времени воплощала разноплановые интересы в сфере всей культуры. Идейно–художественные и эстетические проблемы находили свои отличительные черты в новых направлениях: символизм, футуризм акмеизм и т. д.

Одна из главных задач эстетики конца XIX – начала XX вв. было создание универсальных, единых философско-эстетических концепций, посвященных художественному синтезу. Искусство эволюционирует, приобретает новые формы, формируются новые эстетические принципы. Проанализировав различные идеи, концепции синтеза искусств великих мастеров и теоретиков того времени. Условно можно говорить о классификации в современной эстетике различных синтетических объединений искусств: 1) объединение пространственных с временными искусствами (живопись и музыка, например), 2) объединение пространственных видов между собой (архитектура, скульптура, живопись), есть еще и 3) синтез пространственно-временных искусств (кино, опера, балет, мюзикл и т. д.). Проблемой анализа синтеза искусств занимались символисты А. Белый, Н. Бальмонт, Вяч. Иванов, А. Блок и др. Великие музыканты, композиторы, художники пытались изучить взаимосвязь, слить воедино два чувства – зрение и слух, выявить семантическое родство между музыкальными звуками и цветами.

Театр был ярким представителем синтетических видов искусств. Почти все великие художники работали в театре: М. А. Врубель, А. Н. Бенуа, И. И. Левитан, В. Д. Поленов, В. А. Серов, И. Я. Билибин, Л. С. Бакст, Н. К. Рерих. Свой индивидуальный стиль в театрально-декорационном искусстве находит Л. Бакст, его любимые темы были «восточные» и «античные». Ярким театральным деятелем из «мирискуссников» являлся А. Н. Бенуа. В театральной декорации он выработал свою манеру: декорации к «Павильону Армиды» (1907), «Брак по неволе», декорации к балету «Петрушка» Стравинского (1911). Свою индивидуальность проявил А. Головин к декорациям «Псковитянка» Римского-Корсакова (1901). С. Дягилев представлял свою концепцию в виде соединения «хореографии – музыки – изобразительного искусства».

Литература богата цветовыми поэтическими и музыкальными образами у А. Блока, А. Белого, К. Бальмонта, В. Хлебникова, В. Маяковского, А. Ахматовой. Взаимосвязь изобразительных моментов в поэзии и живописи прослеживается в творчестве М. Волошина (многие цветовые образные наблюдении вылились в стихах.). Вообще «цветопись» в эпоху «Серебряного века» была важным эстетическим принципом поэзии. По определению цветопись – это способ передачи цвета, красок окружающего мира языком художественного произведения, с помощью цветописи писатель может передать чувства не напрямую, а как бы мелкими штрихами, наполняя свое художественное произведение. Самыми яркими и неповторимыми основоположниками цветомузыкального искусства в России данного периода являются композитор, музыкант Н. А. Римский-Корсаков и композитор А. Н. Скрябин.

Подробнее хотелось бы остановиться на изучении взаимосвязи изобразительного искусства и музыки, связи цвета и музыки, провести параллели между данными видами искусств. Великий итальянский художник Леонардо да Винчи назвал музыку «сестрой живописи». Эти виды искусства во многом схожи своими выразительными средствами. Узоры, пластичность линий и мелодий, ритм, колорит и тембр. Яркими представителями живописи, авторами авангардных эстетических концепций синтеза искусств были В. Кандинский («О духовном искусстве») и К. Малевич. В живописи ярким представителем эстетики синтеза искусств, остро почувствовавшим цветомузыкальные сочетания, является художник и музыкант М. Чюрлёнис. В музыке в эпоху «Серебряного века» гениальные композиторы Н. А. Римский-Корсаков и А. Н. Скрябин открыли цветомузыку, взаимосвязь музыки и цвета, на практике вникли и дали психоэстетическую, эмоциональную и философскую оценку этого феномена.

Н. А. Римский-Корсаков в музыке был синестетиком, его симфонические композиции музыковеды называют «звуковой живописью». Музыкант обладал уникальным «даром» цветового видения музыки («цветной слух»). Принято считать, что «цветной слух» – это разновидность синестезии, при которой слух и зрение сливаются воедино. Синестезия (от др.-греч. synaisthesis — соощущение) означает специфическую форму восприятия, это некое «единство чувств». Синестезия характеризует и результаты проявлений чувств в конкретных областях искусства: а) поэтические тропы и стилистические фигуры, связанные с межчувственными переносами; б) цветовые и пространственные образы, вызываемые музыкой; в) взаимодействия между искусствами (зрительными и слуховыми). Хотя по сей день это явление не до конца изучено, есть много версий и предположений происхождения этого явления: аналитических, физиологических, психологических. У композитора Римского-Корсакова при звуках возникали ощущения цветов. Синестетическое чувство позволило ему видеть тональности мажора и минора, ассоциации их с разными цветами и оттенками. Этот феномен прослеживается в музыкальных сочинениях композитора: опера «Снегурочка», «Золотой петушок», «Сказка о царе Салтане», «Садко». В произведениях Римского-Корсакова отчетливо преобладает не только изобразительность в музыке, но и выразительность, гармонично существующие в синтезе. В творчестве композитора музыка выражает многое: разные состояния, настроения, характер героев произведения, всевозможные эмоции персонажей. В опере «Снегурочка» выбор цвето-тональных отношений плана картин природы был неслучайным. Он видел, например, ми мажор и ми-бемоль мажор в синих тонах. Главная героиня Снегурочка появляется на сцене в «синем» ми мажоре, а вот ее мать Весна-Красна наоборот, в розовом ре-бемоль мажоре. Лирические чувства передавались в «темной гамме» ре-бемоль мажора. А вот ре мажор был наполнен, золотистыми оттенками, вызвал радостные ощущения света. Римский-Корсаков говорил, что «диезные стороны в нем вызывают представления цветов, а бемольные … рисуют настроения или же большую или меньшую степень тепла …» [9, c. 190].

Яркое явление в эстетике и музыкальном искусстве, целую эволюцию идей синтеза искусств, представляет творчество великого композитора А. Н. Скрябина. Композитор создал первое не только в России, но и во всем мире свето-симфоническое произведение, создал световую строку «Luce» в музыкальной поэме «Прометей». Что поразительно, А. Н. Скрябин был учеником Н. А. Римского-Корсакова и обладал так же «цветовым слухом». А. Н. Скрябин автор светомузыкальных симфонических мистерий. Великий композитор был одним из ярких представителей теургической эстетики, создавал идею мистерии, наделенной мистической духовной энергией, таинством. А. Н. Скрябин выступает как бы теургом (священно-деятелем) того времени. Основные идеи его концепции: идея всеискусства (синтез музыки, света, хореографии), идея о преображении, одухотворение жизни при помощи теургического искусства, священная миссия перевоссоздания жизни, панэстетизм.

Синтетические поиски А. Н. Скрябина, его мышление, соответствовало духу времени, его мистическое мироощущение, тяготение к русскому символизму, свои идеи синтеза искусств, слияние музыки и света музыкант реализовал в поэме «Прометей». Поэма «Прометей» основана на психофизиологическом восприятия цвета, на положении о соответствии хроматической гаммы цветового спектра, так называемая «партия света». Скрябин углубляет смысл образа, применяя различные методы и приемы художественного синтеза. Скрябинская концепция, таким образом, неразрывна с философско-эстетическим мировоззрением «Серебряного века». Его философские взгляды касались общих законов бытия, взаимоотношения мира и человека.

Ярким, загадочным и неординарным представителем эстетики синтеза искусств «Серебряного века» являлся литовский композитор, поэт, художник, философ – М. К. Чюрлёнис. Это был однозначно гениальный, одаренный человек, который создал 250 музыкальных сочинений и около 300 картин. Чюрленис сначала окончил Варшавскую и Лейпцигскую консерваторию, а уж затем стал активно заниматься рисованием и живописью. За свою недолгую жизнь (прожил 35 лет) он создал сотни картин, которые были посвящены определенной тематике. В ранний период Чюрлёнис создал целый цикл картин («Потоп», «Похороны», «Сутки»), затем были эксперименты с различными художественными материалами, это цикл работ «Да будет», выполненный пастельно. Многие знают М. К. Чюрлёниса по живописным работам, но он также был прекрасным графиком, создавшим целый ряд графических работ в технике фторофорта. М. К. Чюрлёнис в своих работах раскрывал всегда библейские, космические, философские темы, которые нашли свое выражение в цикле живописных работ «Сотворение мира». Своей неповторимой эстетической ценностью привлекают его музыкальные работы из цикла оригинальных «живописных сонат» и прелюдов-фуг: «Соната солнца», «Соната пирамид», «Соната змеи», «Морская соната». Однажды Чюрлёнис играл свои новые мелодии, а перед глазами возникали мрачный лес, заброшенное сельское кладбище, синее море. Вот тогда музыкант и поймал себя на мысли, что его музыка имеет конкретные  цвета и образы. В 27 лет Чюрлёнис, будучи уже музыкантом-профессионалом, понял, что одного языка музыки недостаточно. Музыкальные моменты ярко выражены в его картинах, он передавал не только ритм, соответствующий законам композиции живописи, но и музыкальный ритм. Это выражено в грозных и ярких, светлых и темных, теплых и холодных тонах, гармонично чередующиеся между собой.

Картины М. К. Чюрлёниса имеют музыкальные названия: картины-сонаты, картины прелюдии, картины-фуги. Он не только увидел, но и умело соединил родство изобразительного искусства и музыки. Вячеслав Иванов в своих сочинениях писал: «Космическое и потустороннее чувствование вещей, что создано Чюрлёнисом, знаменательной страницей в летописи предвестий нового миротворчества. Ибо нельзя видеть, что пафос этого художника не пафос мечты, как иллюзии, no profession de foi объективного мироздания, исповедь внутреннего зрения, свидетельство тех духов в человеке, которых Данте называл «spirtiti del viso». Другой момент его пафоса – «sursum», вечное восхождение к началу Платоновых идей и пифагорейских чисел. Отсюда эти лестницы, возводящие вверх, эти нагромождения пирамид, эти устремления толпящихся и соревнующих в росте обелисков к монаде монад [4, с. 15].

Художник работал не только над космической и библейской проблематикой, так же он писал работы, передающие эмоциональное состояние человека: «Печаль», «Покой», «Дружба», «Фантазия». Смысл творчества М. К. Чюрлёниса описал автор статьи «О сотворении мира» Витаутас Ландсебергис: «Его привлекали явления внутренней жизни человека, распределяемые как будто как основные состояния души, способы реагирования и отношения к окружающему. Абстрактным понятием Чюрлёнис придавал большую значимость, видел в них основы бытия и стремился создать аналогичные обобщения пластическими средствами, чтобы его картины заключали в себе как философскую всеобщность, так и непосредственность эстетического воздействия [8, с. 7].

В итоге можно сделать вывод, что анализ генезиса и эволюции эстетических закономерностей взаимосвязи различных видов искусства, в том числе и периода «Серебряного века», позволяет раскрыть не только ценностно-художественное значение синтетических произведений, но и выступает важным компонентом в эстетической системе, формирует основные принципы эстетико-синестетического мышления.

 

ЛИТЕРАТУРА

1. Взаимодействие и синтез искусств. Академия Наук СССР. Научный совет по истории мировой культуры . Комиссия комплексного изучения художественного творчества / сост. Д. Д. Белый. – Л. : Наука : Ленингр. отд., 1978. – С. 6.
2. Волков Н. Н. Цвет в живописи / Н. Н.Волков. – М. : Искусство, 1985. – 480 с.
3. Донская Е. В. Концепции синтеза искусств выдающихся творцов культуры «Серебряного века» [Электронный ресурс] / Е. В. Донская // Крым. ун-т культуры, искусств и туризма, 2012. – Режим доступа :

http://www.sworld.com/ua/index/php/ru/conference/the-content-of-conferences/archives-of individual-conferences/oct 2012

4. Иванов В. Чюрлёнис и проблема синтеза искусств. [Электронный ресурс] / В. Иванов // Борозды и межи. Опыты эстетические и критические : сб. – М., 1916. – С. 13. – Режим доступа :

www/etheroneph/com/gnosis/272-chyrljonis-i-problema-sinteza-iskusstv/html.

5. История русского искусства / под ред. И. А. Бартенев, Р. И. Власова. – Изд. 3-е, перераб. и доп. – М. : Изобр. искусство, 1987. – 192 с.
6. Конанчук С. В. Проблема синестезии и синтез искусств в современной эстетике. [Электронный ресурс] / автореф. дис. на соиск. учен. степ. канд. философ. наук: 09.00.04 / С. В. Конанчук. – СПб., 2014. – 190 с. – Режим доступа :

www.dslib/net/estetika/problema–sinestezii–i–sintez–iskusstv-v-sovremennoy–jestetike.html.

7. Кондршов В. А. Этика. Эстетика / В. А. Кондрашов, Е. А. Чичина – Ростов н/Д. : Феникс, 2004. – 538 с.
8. Ландсбергис В. Миколас Константинас Чюрлёнис. «Сотворение мира» / В. Ландсбергис // Альбом с подборкой репродукций. – Вильнюс : Вага, 1973. – С. 7.
9. Миронова А. Н. Цветоведение / А. Н. Миронова. – Минск : Вышэйш. шк., 1984. – 190 с.
10. Панорама искусств 5 / сост. М. З. Долонина. – М. : Сов. художник, 1982. – 243 с.
11. Рагхава Менон. Звуки индийской музыки, путь к раге [Электронный ресурс]. – Режим доступа :

profilib.com/chtenie/10874/ragkhava–menon–zvuki–indiyskoy–muzyki–put–rage–25/php

12. Развитие синтеза искусств: исторический аспект проблемы синтеза искусств в трудах отечественных искусствоведов XX в. // Студенческая библиотека онлайн, 2017. – С. 2. – Режим доступа :

mobil.studbooks.net/765363/litertura/razvitie–sinteza–iskusstv–istoricheskiy–aspect

13. Яковлев Е. Г. Эстетика / Е. Г. Яковлев. – М. : Гардарики, 2002. – 463 с.

СКУБАК-ЗАЛУНИНА А. В. ИДЕЯ СИНТЕЗА ИСКУССТВ В ПЕРИОД «СЕРЕБРЯНОГО ВЕКА»: ГЕНЕЗИС И ЭВОЛЮЦИЯ

В статье рассматриваются истоки и эволюция идеи синтеза искусств, который стал основополагающим принципом периода «Серебряного века». На примере творчества композиторов Н. А. Римского-Корсакова, А. Н. Скрябина, композитора и художника М. К. Чюрлёниса автор анализирует эстетические закономерности взаимосвязи различных видов искусства, устанавливает их значение для формирования основных принципов эстетико-синестетического мышления.

Ключевые слова: синтез искусств, «Серебряный век», синкретизм, миф, цветопись, синестезия.

 

SKUBAK-ZALUNINA H. V. THE IDEA OF ARTS SYNTHESIS DURING THE “SILVER AGE” PERIOD: GENESIS AND EVOLUTION

The article vies the evolution and sources of the idea of Arts synthesis which has become the main principle of the “Silver Age” period. The author analyzes aesthetic patterns and mutual connection of different kinds of Art using artworks of N. A. Rimskiy-Korsakov,  A.N. Scriabin, M. K. Churlenis. Their works’ importance for the basic principles of aesthetic and synesthetic thinking formation is considered.

Key words: Arts synthesis, Silver Age, syncretism, myth, color verses, synesthesia.