Философско-культурологические исследования

УДК 786.2

Фортепианный концерт – один их наиболее значимых и востребованных жанров в мире музыки. Жанровая природа концерта, конкретизируемая динамичностью, развитой игровой логикой, способностью к передаче глубоких жизненных коллизий, оказалась весьма привлекательной для композиторов различных временных и национальных традиций. Особый интерес к исследуемому жанру проявили представители венского классицизма, в творчестве которых сольный инструментальный концерт получил окончательную кристаллизацию.

Исследование жанра фортепианного концерта определяет поле научных интересов таких учёных-музыковедов, как: Л. Н.  Раабен («Советский инструментальный концерт»), И. И. Кузнецов («Фортепианный концерт» (к истории и теории жанра)), М. Е. Тараканов («Инструментальный концерт»), Г. А. Орлова («Советский фортепианный концерт»). Существенные ракурсы новейших направлений анализа жанра, с позиций исполнительской практики, демонстрируют работы А. В. Мурги, Д. И. Дятлова, Б. Г.Гнилова; жанровые и исторические аспекты фортепианного концерта проанализированы в научных публикациях Д. А. Нагина, О. В. Подколозина, Ш. Г. Палтаджанян и др. Несмотря на неугасаемый интерес учёных-музыковедов к концертному жанру, некоторые исторические, а также теоретические аспекты исследуемой проблемы требуют более глубокого изучения. Данное обстоятельство определило цель публикации: исследовать особенности зарождения и развития жанра фортепианного концерта. Для реализации  поставленной цели были определены следующие задачи публикации:

1. Исследовать генезис жанра инструментального концерта;
2. Проанализировать истоки становления и развития жанра фортепианного концерта;
3. Выявить жанровую специфику фортепианного концерта.

Историческое движение музыки явственно отражается на судьбах музыкальных жанров. Живая связь времен наглядно проявляется и на примере инструментального концерта – одного из наиболее старинных жанров европейской музыки. Как свидетельствуют исследователи, этимология слова «концерт» связана с итальянским «concertare» («согласиться», « прийти к согласию») или с латинским «concertare» («оспаривать», «бороться»), потому как взаимоотношения солирующего инструмента и оркестра содержат элементы «партнерства» и «соперничества». Традиционно, концерт определяют как одночастное или многочастное музыкальное произведение для одного или нескольких солирующих инструментов и оркестра [6].

Одной из разновидностей инструментального концерта является фортепианный концерт. Поскольку историю развития фортепианного концерта невозможно отделить от генезиса инструментального концерта в целом, исследуем особенности зарождения этого уникального музыкального жанра.  Истоки фортепианного концерта уходят в далекое музыкальное прошлое. Акцентируем внимание на том, что до конца XVII в.  инструментальный концерт, как самостоятельный жанр,  не существовал.  Понятие «концерт» впервые было обнаружено в музыкальном обиходе XVI в. Данное определение использовали для обозначения вокально-инструментальных произведений. Концертами называли хоровые  духовные сочинения с инструментальным сопровождением. В качестве примера целесообразно назвать  концерты Дж.  Габриели, Л. да Виаданы и Г. Шютца. Возникновение жанра инструментального концерта связано с зарождением гомофонного стиля в музыке. На данном этапе композиторы, как никогда ранее, стремились подчеркнуть ведущее значение мелодического начала, выраженного солирующим инструментом, в противовес сопровождающему оркестру. Соревнование между солирующим музыкальным инструментом и оркестром, актуализировало значимость виртуозного начала в концертном жанре. Большое влияние на развитие инструментального концерта оказала также  практика инструментальных ансамблей  и традиции совместной игры на музыкальных инструментах, восходящие к народному музицированию в европейской культуре средних веков.

Следует отметить, что в исследуемый период, оркестра (в современном понимании) не существовало. Популярными были ансамблевые объединения музыкантов, интересы и предпочтения которых определяли устойчивые формы сочетания инструментов. Особенностью концертных ансамблей XVII в. являлось обязательное участие так называемой партии Continuo, как правило, поручавшейся клавесину. Данный инструмент  выступал в роли руководителя  ансамбля,  его дирижера, тем самым цементировал общее звучание. Именно в это время в жанр инструментального концерта проникает главный принцип концертной игры – принцип  состязания и соревнования. Форма соревнования предполагала органическую связь  согласования и единоборства, сочетание ведущего и аккомпанирующего, взаимное согласование их усилий. Клавесином поддерживался либо удваивался басовый голос и заполнялся так называемый «средний этаж» музыкального пространства [1, с. 15]. И все же главное заключалось не столько  во внешних свойствах концертной музыки XVII века, сколько во внутренней природе, характерной для музыкального сознания европейцев исследуемого периода. Новый жанр инструментального концерта во многом перекликался с танцевальной сюитой.

Мастером инструментального концерта XVII в. является А. Корелли – автор первых классических образцов жанра Concerto Grosso (большого концерта), основанного на сопоставлении солирующих ripieno и аккомпанирующих Grosso. Концерты А. Корелли, как правило, многочастны. Композитор включал в концерты  от четырёх до семи частей,  а также небольшие Adagio, служащие как бы связками между быстрыми частями. Музыкальное единство Concerto Grosso А. Корелли проявлялось и в сохранении основной тональности на протяжении всех частей. Музыка практически всех концертов этого удивительного итальянского мастера патетична, порой в ней слышится лирический напев, ощущаются связи с народными истоками.

Особое место в истории развития инструментального концерта XVII – XVIII вв. принадлежит итальянскому композитору, скрипачу-виртуозу А. Вивальди. В концертах этого гениального композитора сложилась типичная структура инструментального концерта, которая предполагала трехчастность формы.  Если в Concerto Grosso А. Корелли, замкнутое целое образуют краткие сольные  эпизоды, то у А. Вивальди партии солистов рождены неограниченным полетом фантазии и проходят в свободном импровизационном изложении. В концертах А. Вивальди возрастают масштабы оркестровых ритурнелей, и вся форма приобретает новый динамичный характер. Создатель сольного концерта стремился к ярким и необычным звучаниям, смешивал тембры разных инструментов, часто включал в музыку диссонансы.

Следует отметить, что концерты А. Вивальди предоставляли музыкантам широкие возможности блеснуть виртуозной игрой и показать свое совершенное владение инструментом. Между солистами и остальными участниками концертного действа возникают определенные концертные диалоги. Именно в концертах А. Вивальди чередование solo и tutti стало родовой приметой концертного Allegro. Так же определяющей характерной чертой данной формы  является рондальность, которая становится следствием жизнеутверждающей природы инструментального концерта XVII – начала XVIII вв. Ярким примером стиля инструментальных концертов А. Вивальди является цикл «Времена года».

Новый этап эволюции инструментального концерта связан с творчеством представителей позднего барокко – И. С.  Бахом и Г. Ф.  Генделем. Открытия этих мастеров музыкальной мысли в области инструментального концерта, стали прозрением в далекое будущее. Обилие тембровых контрастов, многообразие ритмических комбинаций, напряжённое взаимодействие солиста и ансамбля-оркестра – всё это работает на усложнение и более глубинное прочтение концерта. Так, ярким примером концертного мастерства И. С. Баха являются «Бранденбургские концерты» для различных инструментальных составов, «Итальянский концерт», утвердивший самостоятельное значение клавира, как концертного инструмента. Акцентируем внимание на том, что именно клавирные концерты И. С. Баха, определили вектор развития будущего фортепианного концерта. Как свидетельствуют исследователи, И. С. Бах долго работал в области концертного жанра; тщательно изучал скрипичные концерты итальянских мастеров, делал переложения скрипичных концертов для клавира. Затем композитор начал писать собственные концерты для скрипки  и делать их переложения. Позже И. С. Бах перешел к написанию собственных клавирных концертов [1, с. 61]. Следует отметить, что, создавая клавирные концерты, И. С. Бах следует традициям и опыту итальянских мастеров, что выражается в трехчастном циклическом строении, облегченной фактуре, мелодической выразительности и виртуозности.

В сольном инструментальном концерте раскрылась и глубокая жизненная основа творчества Г. Ф. Генделя. Совершенно не случайно в письме одному из друзей М. И. Глинка писал: «Для концертной музыки  — Гендель, Гендель  и  Гендель» [8, с. 375]. Вершиной инструментального концертного творчества этого удивительного мастера являются Concerto Grosso – великие сокровища оркестровой музыки XVIII в. Данные сочинения отличает классическая строгость и сдержанность письма. Говоря о праздничности этого жанра у Г. Ф. Генделя, можно было бы определить его стиль как «генделевское барокко» и охарактеризовать его как энергичный, оживленный, блестящий с яркими контрастами и изобилием ярких ритмов.  Концерты Г. Ф. Генделя строги по мелодике и фактуре, более лаконичны в композиционном строении. По складу музыки Concerto Grosso, преимущественно, гомофонны. Строение каждого цикла разнообразно (от двух до шести частей); каждому концерту свойственны особые жанровые связи, определенный образно-поэтический облик. Таким образом, традиции, установившиеся  в концертной музыкеXVII в., развивались на протяжении всего XVIII в.

Создателями инструментального концерта нового типа явились представители венского классицизма. Именно в творчестве венских классиков инструментальный концерт становится новым жанром концертной музыки, отличающимся от прежнего ConcertоGrossо, а также от сольного концерта XVII в. В классическом стиле меняется облик циклических композиций, утверждается строгий нормативный трехчастный цикл, с акцентуацией первой части сонатного Allegro.

 Концертные сочинения Й. Гайдна, В. А. Моцарта, Л. ван Бетховена по своему звучанию, по масштабности развития тематического материала не уступают их симфониям и сочетают принципы сольной и концертно-симфонической музыки, что свойственно данному жанру в целом.

Несмотря на то, что инструментальный концерт у венских классиков был родственен симфониям, исследуемый жанр не является разновидностью симфонии. Концерт в эпоху классицизма выступает самостоятельным сложившимся жанром с определенными чертами. Очень важен состав оркестра, где основополагающей является струнная группа, ее дополняет группа деревянных и медных духовых, эпизодически используются ударные инструменты. Практически ликвидируется практика continuo – клавишные инструменты уходят из основного состава оркестра. Солирующий инструмент  (скрипка или фортепиано) становится равноправным участником концертного состязания, концертного диалога. Солист и оркестр сближаются по своим исполнительским приемам, тем самым, создавая условия для более тесного  взаимодействия.   Включение новых тем, переменность функций в изложении одной темы – свидетельствует о формировании нового типа взаимодействия солиста и оркестра.

Новизна классического фортепианного концерта заключалась также в методе показа эмоции. Если барочный инструментальный концерт фиксировал неподвижную эмоцию, то концерт эпохи классицизма демонстрировал передачу аффектов в движении, развитии, внутренней контрастности. На смену стабильному барочному концерту пришёл динамичный классический концерт.

Изображение процесса переживаний, изменение аффекта, картины душевных движений, требовало особой музыкальной формы. Реализацией заданной семантической задачи стала сонатная форма, функции которой заключались в том, чтобы начальную неустойчивость усилить, обострить и лишь в конце достигнуть равновесия. Масштабность, выбор нетипичных оркестровых составов, монументальность циклов классического фортепианного концерта способствовало активизации процесса раскрепощения границ концертного жанра. В результате подобных новаторских допущений, композиторы получили больше возможностей для реализации собственных художественных замыслов. Следует отметить, что помимо музыкальной драматургии, формы классический фортепианный концерт демонстрирует не свойственное концертам предшествующих эпох отношение к каденции, тематизму, трансформируются отношения солиста и оркестра.

Как свидетельствуют исследователи, жанр классического фортепианного концерта можно сравнивать с театральным действием, в котором музыкальная игровая логика выступает как логика игровых ситуаций, превращается в логику сценического действия, позволяющую средствами концертного жанра реализовать сложную драматургию и скрытый авторский подтекст.

Новаторством, определяющим облик фортепианного концерта эпохи классицизма, явилось также отношение композиторов и исполнителей к каденции. Как свидетельствуют исследователи, в концертном жанре, предшествующих классицизму эпох,  каденциям уделялось особое внимание. В XVIII в., когда процветало искусство свободной импровизации, каденции считались «гвоздем» исполнения. Именно каденции демонстрировали творческую изобретательность, а также виртуозность исполнителя. Каденция должна была соответствовать общему настроению произведения и включать его важнейшие темы. Каждый виртуоз высокого класса должен был владеть этим искусством.  Умение импровизировать являлось не только обязанностью музыканта,  но и правом, которым он пользовался при исполнении чужих (авторских) сочинений.

Следует отметить, что каденции, встречающиеся в барочных инструментальных концертах, доставляли немало мучений неопытным исполнителям, неискушенным в импровизации. Многие исполнители выучивали каденции заранее. Постепенно, вставные каденции начали вытесняться из концертов. Именно в период венского классицизма произошел кардинальный перелом в природе каденционных построений, который завершил переход каденций из рамок импровизационной культуры в сугубо письменную традицию.  В сформировавшейся классической концертной форме, каденция, как виртуозное соло исполнителя, являлась обязательной частью  формы. Первый шаг в этом направлении  сделал  Л. ван Бетховен, который вписал в своем Пятом концерте всю каденцию полностью нотами. В фортепианном концерте эпохи классицизма были распространены виртуозные сложнейшие каденции. Начало каденции, чаще всего, было подчеркнуто или ярким аккордом или виртуозным пассажем. В момент звучания этого фрагмента концерта, внимание слушателя многократно обострялось. Принципы, по которым выстраивалась каденция, конкретизированы элементами неожиданности, ярким виртуозным началом, эффектностью. Исследуя особенности формирования и развития каденции в фортепианном концерте, целесообразно процитировать правила из «Фортепианной школы» Д. Г. Тюрка: «Каденция,  не только должна поддерживать впечатление, произведенное музыкальной пьесой, но, насколько это возможно, усилить его. Наиболее верный путь достичь этого – изложить в каденции чрезвычайно сжато важнейшие основные мысли или напомнить о них с помощью оборотов. Поэтому каденция должна быть теснейшим образом связана с исполняемой пьесой и более того, из нее, главным образом, черпать свой материал. Каденция, как и всякое свободное орнаментирование, должна состоять не из намеренно привнесенных трудностей, а скорее из таких мыслей, которые соответствуют  основному характеру пьесы» [3].

Фортепианный концерт эпохи классицизма является жанром, в котором происходит утверждение музыкальной темы, не только как носителя определенной выразительности, но и как художественного образа, который заключает в себе потенциальные возможности развития. Именно в  фортепианных концертах композиторы венской классической школы достигают высочайшего мастерства в области тематического развития, разработки, используя самые различные приемы – изменение тональности, гармонизации, ритма, элементов мелодии. Так же характерно расчленение темы на отдельные мотивы, которые сами подвергаются различным преобразованиям и по-разному комбинируются друг с другом. Тематический материал  фортепианных концертов венских классиков отличается образной рельефностью и индивидуальной характерностью.

В числе важнейших музыкальных истоков – народная музыка. Опираясь на богатства народно-песенного искусства, представители венской классической школы пришли к новому пониманию мелодии, ее функций и возможностей.

Особым своеобразием отмечен музыкальный тематизм фортепианных концертов венских классиков, испытавший на себе влияние итальянского стиля belcanto. Как утверждал Г. Ф. Телеман: «Пение – всеобщая  основа музыки. Кто берется за сочинение – должен петь в каждой из частей. Кто играет на инструментах – должен быть в пении сведущ». Поскольку belcanto предполагает сочетание прекрасной кантилены и виртуозной орнаментики, в классических фортепианных концертах выделяются темы двух видов: темы близкие к вокальной кантилене и виртуозные тематические комплексы. В связи с этим, солист предстаёт в двух амплуа – как вдохновлённый музыкант и исполнитель-виртуоз.

Представители венской классической школы достаточно интересно и многообразно реализовали себя в жанре фортепианного концерта, тем самым вызвав интерес и  развитие данного  жанра в эпоху романтизма, а также в творчестве композиторов XX века.

В качестве важнейших специфических свойств жанра фортепианного концерта исследователи традиционно выделяют следующие: игровую логику, виртуозность, импровизационность, состязательность, концертирование.

Жанрообразующим принципом классического концерта является игра. Именно в инструментальном концерте наиболее полно реализуются ключевые компоненты игры – противопоставление различных начал и состязательность. В музыкознании понятие игровая музыкальная логика использовано  Е. В. Назайкинским. В гениальном труде учёного («Логика музыкальной композиции») представлено определение исследуемой дефиниции, как логики концертирования, столкновения различных инструментов и оркестровых групп, различных компонентов музыкальной ткани, разных линий поведения, образующих вместе «стереофоническую», театрального характера картину развивающегося действия [7, с. 227]. Поскольку понятие игры является определяющим для концертного жанра, остановимся более подробно на его характеристике.

В энциклопедической литературе представлено следующее определение игры: «игра – вид осмысленной непродуктивной деятельности, где мотив лежит как в ее результате, так и в самом процессе» [4, с. 31].

Игра является атрибутом любого музыкально-театрального действа. Среди современных концепций игры, особое место занимает теория нидерландского историка культуры Й. Хейзинги, который рассматривал культурологическую функцию игры в ее историческом развитии. В работах  ученого говорится о том, что «игра» – это, прежде всего, свободная деятельность. Игра по приказу уже больше не игра. Й. Хейзинга находит взаимосвязь музыки и игры через попытки найти общие для обоих понятий термины. «Игра пребывает вне благоразумия практической жизни, вне сферы нужды и пользы. Тоже относится к музыкальному выражению и музыкальным формам. Законы игры действуют вне норм разума, долга и истины. Тоже верно и для музыки… В любой музыкальной деятельности лежит игра. Служит ли музыка развлечению и радости, или стремится выражать высокую красоту, или имеет священное литургическое назначение – она всегда остается игрой» [10, с. 180].

Игра развертывается перед слушателем как увлекательная цепь событий, каждое из которых, являясь откликом на предшествующее, в свою очередь порождает новые отклики или новое течение мысли. Игровая логика развивается в музыке как игре на инструменте. Как отмечал великий немецкий композитор Р. Шуман, «слово «играть» – очень хорошее, так как игра на инструменте должна быть тем же, что и игра с ним. Кто не играет с инструментом, не играем и на нем».

В жанре концерта игровая логика имеет огромное значение. Градация динамики в микромире игровой логики часто выступает как средство контрастных сопоставлений, вторжений, неожиданных акцентов. Как отмечает Е. В. Назайкинский, на композиционном уровне игровая логика может проявляться в особой трактовке формы. На синтаксическом – в особых «игровых фигурах». В качестве подобных «игровых фигур» учёный выделяет такие как: смена модуса, интонационная ловушка, вторжение, оспаривание, реплика-втора, незаметно вкрадывающееся повторение, обрывающий удар, переворот, наложение, слияние, преодоление препятствия, застрявший тон, вариантный подхват, игровая ошибка и др. Следует отметить, что участниками игрового действа могут выступать как определённые тематические построения, так и небольшие мотивы, краткие музыкальные реплики. Их сочетание являют основу инструментально-игровой логики.

Игровая природа фортепианного концерта реализуется посредством виртуозности. Акцентируем внимание на том, что определяющим элементом виртуозности является исполнительское мастерство музыканта, который должен быть намного лучше среднего исполнителя. Виртуоз  (от итал.virtuoso – от лат.Virtus – доблесть, талант)– исполнитель мастерски владеющий техникой искусства[6]. Первые упоминания о «виртуозах» связано с Италией XVI – XVII вв. Данный термин предназначался для человека, отметившегося в любой интеллектуальной или художественной области. Термин со временем развивался, одновременно расширялся и сужался в размахе. Изначально музыканты удостаивались такой классификации, будучи композиторами, теоретиками или знаменитыми маэстро, что было важнее, чем мастерское исполнение.

Концерт как жанр предполагает публично-демонстративное проявление мастерства музыканта-исполнителя и его виртуозности. Вместе с тем, виртуозность подчинена внутреннему содержанию музыки и является органическим элементом художественного образа. Также следует отметить, что виртуозность выражает не что иное, как артистическое начало человеческой личности и является частью исполнительского почерка самого музыканта.  В жанре концерта впервые воплощается органичное единство виртуозности и певучести. Виртуозность в партии солиста, с одной стороны, делает его лидером в диалоге с оркестром, а с другой – способствует «общительности» самого концертного жанра.

Не менее важным принципом, определяющим жанровую природу фортепианного концерта, является принцип состязательности. Следует отметить, что идея состязательности корнями уходит в древнюю Грецию, где родились Олимпийские игры. До настоящего времени состязательность определяет практически все сферы жизни человека, способствует творческому проявлению, а также творческой самореализации личности. Принцип состязательности в музыке, в частности в инструментальном концерте, не предполагает противоборства «всерьёз». Концертная состязательность – условная ситуация, где ощущается атмосфера диалога, выражающаяся в «общении» главных участников соревнования. Поэтому  состязание в концерте – это лишь идеализированная картина противоборства соло и оркестра. Состязательность предполагает попеременное чередование реплик солиста  и отыгрышей оркестра, потому одни мысли могут представать как в партии ведущего участника состязания, так и в чисто оркестровом изложении совместно с солистом либо без его участия [9, с. 15]. Следует отметить, что в концертном  состязании, как и в любом игровом действии, важен не столько результат (кто же первый?), сколько само действие, как факт существования такого противоборства.

Различные типы соотношения оркестра и солиста, которые определяют конкретные способы фактурной организации музыкального материала, а также инструментовки концерта, конкретизированы принципами концертирования. Акцентируем внимание на том, что принцип концертирования впервые был применен в Италии, на рубеже XVI – XVII вв., в трактовке вокально-инструментальных  концертов. Однако, опираясь на научные исследования немецкого музыкального историка А. Шеринга, можно говорить о более древнем происхождении этого принципа. Как утверждает исследователь, его истоки «…можно проследить вплоть до античности, до переключающегося пения в греческой трагедии и до псалмов древних евреев, которые затем снова обнаруживаются в период средневековья как антифоры в католическом ритуале». Это указание на музыкально-драматическое происхождение концертирования. По убеждению Б.  В. Асафьева, именно посредствам концертирования реализуется характерный для концерта инструментальный диалог, основывающийся на раскрытии, импульсов, заложенных в тезисе, в роли которого могут выступать самые различные элементы, вплоть до попевки или «простейшего сопряжения звуков», не говоря уже о развернутых построених типа мелодической темы [2].

Технология концертирования, а именно взаимодействие солиста с оркестром в жанре концерта, зарождалась в концертах А. Вивальди. Основополагающими моментами служат чередование tutti и solo, жанровость и программность, использование тембровых, динамических и ритмических средств выразительности. Сочетание этих особенностей, в гармоническом сочетании, повышают значимость и актуальность принципа концертирования. Следует отметить, что в эпоху венских классиков  данный принцип  существенно меняется. Концертирование становится тесно связано с тематическим развитием. Предусматривается импровизация солиста (каденция).  Партия солиста имеет характер орнаментальной виртуозности.

Реализацией свободного, творческого самовыражения в фортепианном концерте является принцип импровизационности. Данный принцип символизирует высшее проявление игровой природы фортепианного концерта. Имровизационность является следствием спонтанно-творческой инициативы музыканта-исполнителя. Суть импровизационности заключается в новых элементах интерпретации произведения и аспектах музыкальной выразительности.

Целесообразно отметить, что роль исполнительской импровизации была велика в деятельности музыкантов XVII – первой половины XVIII в. Согласно практике того времени, пианист должен был в непринужденной импровизации пользоваться мотивами предшествующей музыки, но он мог также вплетать в нее и новые, посторонние темы. В инструментальных концертах этой эпохи имеют место музыкальные эпизоды, где оркестр молчит, а солист получает возможность показать свое умение и фантазию. Известно, что как и  В. А. Моцарт, так и Л. ван Бетховен были великими импровизаторами, что имело отражение в их фортепианных концертах.

Быстрота художественной реакции, яркость внезапно возникающих образов, изобретательность в острой их смене – качества, которыми должен обладать импровизатор. Импровизационной неожиданностью отмечены   вступления солиста, внезапные вариационные освещения тем, сопоставления их, контрасты гармонии, оркестрового колорита. Но эти смены скреплены мудрой музыкальной логикой [5, с. 13]. Импровизационная природа характерна и для каденций классического концерта, но принцип импровизационности в каденциях классического фортепианного концерта был жестко регламентирован.

Таким образом, исследовав особенности зарождения и развития фортепианного концерта, а также проанализировав специфику его жанровой природы, мы пришли к выводу о том, что фортепианный концерт – один из крупнейших монументальных жанров инструментальной музыки. Возникновение исследуемого жанра связано с зарождением гомофонного стиля в музыке. Кристаллизация основных жанровых признаков концерта (многочастная контрастная структура, принцип состязательности и импровизационности, яркая образность) осуществляется в эпоху барокко (творчество А. Вивальди, А. Корелли, И. С. Баха, Г. Ф. Генделя.). Новую веху в истории развития жанра фортепианного концерта открывают мастера «венского классицизма» (Й. Гайдн, В. А. Моцарт Л. ван Бетховен). Фортепианный концерт этих новаторов музыкальной лексики отличает масштабность замысла, драматизация музыкальных образов, яркость мелодики, симфоническое развитие тематического материала, виртуозность при большой органической связи солиста и оркестра. Жанровая сущность фортепианного концерта конкретизирована следующими принципами: игровая логика, виртуозность, импровизационность, состязательность, концертирование. Обозначенные принципы определяют не только особенности структуры и содержания концерта, но также формируют поле задач и методов их решения в исполнительской практике пианиста.

Представленные в работе результаты не претендуют на полноту исследования проанализированной проблемы и предполагают дальнейшее развитие. Целесообразно исследовать особенности реализации жанровой природы концерта на конкретных примерах концертных сочинений композиторов-классиков, а также представителей музыкальной культуры второй половины XIX – начала XXI в.

ЛИТЕРАТУРА

1. Алексеев А. Д. История фортепианного искусства : учебник для студентов муз. вузов : в 3 ч. / А. Д. Алексеев. – Изд. 2-е, испр. и доп. – Ч. 1. – М. : Музыка, 1967. – 286 с.
2. Асафьев Б. В. Музыкальная форма как процесс / Б. В. Асафьев. – Изд. 2-е. – М. : Музыка, Ленингр. отд., 1971. – 373 с.
3. Бадура-Скода Е. Интерпретация Моцарта / Е. Бадура-Скода, П. Бадура-Скода. – М. : Музыка, 1972. – 373 с.
4. Большая советская энциклопедия / гл. ред. Б. А. Введенский. – Изд. 2-е, испр. и доп. – М. : БСЭ, 1954. – Т. 28. – 664 с.
5. Друскин М. С. Фортепианные концерты Моцарта / М. С. Друскин. – Изд. 2-е. – М. : Музгиз, 1959. – 63 с.
6. Музыкальный энциклопедический словарь / гл. ред. Г. В. Келдыш. – М. : Сов. энцикл., 1990. – 672 с.
7. Назайкинский Е. В. Логика музыкальной композиции / Е. В. Назайкинский. – М. : Музыка, 1982. – 320 с.
8. Розеншильд К. К. История зарубежной музыки: до середины 18 века / К. К. Розеншильд. – Изд. 3-е, испр. и доп. – Вып. 1. – М. : Музыка, 1973. – 375 с.
9. Тараканов М. Е. Инструментальный концерт / М. Е. Тараканов. – М. : Знание, 1986. – 55 с.
10. Хейзинга Й. Homo Ludensс. В тени завтрашнего дня / Й. Хейзинга. – М. : Прогресс, 1992. – 464 с.

ПРИЩЕПА Н. А.  ФОРТЕПИАННЫЙ КОНЦЕРТ: ИСТОРИЯ, ТЕОРИЯ ВОПРОСА

В данной публикации представлен анализ жанра фортепианного концерта как разновидности инструментальной музыки. Обозначены особенности исторического развития исследуемого жанра. Выявлены и проанализированы структурно-жанровые особенности концерта.

Ключевые слова: фортепианный концерт, жанр, структура, музыкальная форма.

 

PRISCHEPA N. A. PIANO CONCERTO: HISTORY, THEORY OF THE QUESTION

The article deals with the analysis of the piano concerto genre as a form of instrumental music. The characteristics of the genre development are defined. Structural-and-genre characteristics of the piano concerto are analyzed.

Key words: piano concerto, genre, structure, musical form.